Category: искусство

Category was added automatically. Read all entries about "искусство".

Петербург. Роман с городом

С 13 октября по 7 ноября 2021 г. в Музейно-выставочном комплексе Российской академии художеств Галерея искусств Зураба Церетели (Москва) будет проходить выставка произведений Бориса Мессерера «Петербург. Роман с городом».

Борис Мессерер - Вид на дом Аракчеева с Большого Конюшенного моста

Борис Асафович Мессерер – мастер большой формы, сценограф и автор инсталляций, не мог не создать свою петербургскую мифологию, которая не нуждается в присутствии человека, но сохраняет его страстную и стойкую душу. Пейзажи, созданные московским автором, отличаются изобразительной плотностью, цветовой насыщенностью и крепким рисунком. В экспозиции будет представлено около пятидесяти графических и живописных работ, выполненных автором в период с середины XX века по настоящее время.

Впервые ленинградские пейзажи появились в акварелях Мессерера 1955 года, живых, непосредственных, закапанных дождем, и уже тогда помогли молодому художнику выделить наиболее близкие ему мотивы, уловить собственную интонацию, не позволявшую повторять многочисленные известные произведения. Как в поэзии, так и в живописи и графике петербургская тема остается неисчерпаемой и позволяет раскрыться авторам с различным темпераментам и разной «теплотой» крови. Мессерер в своем творчестве, как правило, отличается корректностью, отточеностью пластического высказывания, поэтому его листы подобны чеканным рифмам, которые вспоминаются во время прогулок по гранитным плитам любимых набережных.

Главная героиня художника – река Мойка. Ее набережные, мосты и здания олицетворяют Петербург, его особый ритм, его смены настроения, его неожиданные ракурсы. Серия, посвященная району Мойки, складывалась не одно десятилетие, многие листы родились из беглых зарисовок пером и фломастером, сделанных во время частых приездов в Ленинград. Так сложилось, что в полном объеме художник ее не показывал, выбирая для выставок лишь некоторые работы. Но, собранные вместе, они производят впечатление цельности и продуманности и дают возможность иначе взглянуть на самые знаменитые кварталы города.

Часть Мойки от Мало-Конюшенного моста через Большой Конюшенный до Певческого моста можно пройти за четверть часа. Но какие поразительные архитектурные, живописные, историко-литературные открытия делает здесь внимательный наблюдатель. Ритмические ударения, соответствующие поворотам неширокой реки, уже два столетия с успехом используются градостроителями. Тем же ритмам подчинены композиции Мессерера, умеющего безупречно выстраивать панорамные перспективы.

Представленные на выставке произведения исполнены в разных техниках, однако являются повторением одних и тех же сюжетов. Что не должно вызывать недоумения, потому что они позволяют увидеть знакомые места и другими глазами, и в разнообразии душевного состояния. Пустынные, очищенные от суеты, лишенные пешеходов и автомобилей, изогнутые набережные, дома, мосты замерли в предрассветном полусне, и в этот момент они принадлежат только прошедшему времени. Это чудесное состояние отрешенности, вечности бытия, в которое на краткий момент погружен город, помогает снова и снова восхищаться его бесконечно странной, «умышленной» и неповторимой красотой.

Рисунки прессованным углем, в отличие от работ, выполненных маслом на холсте, обладают собственной энергетикой, присущей тому авторскому усилию, которое рождает линию на бумаге. Чередование короткого быстрого штриха и тонированных плоскостей воды и на бережных первого плана позволяет Мессереру подчеркнуть необходимый контраст между стоящими на месте зданиями и движением вдоль их линии. Особенно живописными в черно-белом варианте вы глядят просветы белого листа, которые акцентируют меняющееся свето-теневое освещение и усиливают общее состояние драматического напряжения. Замечательно точно решены художником переходы к дальним и ближним планам, взгляд с одного берега на другой, разбег набережной, будто спустившейся с моста («Мойка. Вид с Большого Конюшенного моста», «Вид на Мойку со стороны Певческого моста»).

Живописные произведения позволяют добавить новую интонацию в изобразительное повествование о Мойке. Цвето-пластическое решение опирается не на скрытый драматизм, который ощутим в угольных рисунках, но на иное представление о городе – пышном, блистательном Санкт-Петербурге. Не случайно район Мойки соседствует с Дворцовой площадью, Миллионной улицей и Большой Невой. Одни и те же пейзажные панорамы в живописи предстают как величественные и торжественные, поддержанные цветом воды тусклого золота, мрачно сияющей в просветах набережных («Вид на дом Аракчеева», «Вид с Певческого моста», «Большой Конюшенный мост»).

Выставка произведений, посвященная Ленинграду-Петербургу, вновь открывает неожиданные ракурсы восприятия одного из величайших городов мира, рождает новые чувства и размышления, связанные с ним.

На сайте: https://culturolog.ru/content/view/4235/31/

Борис Мессерер - Вид на императорские конюшни со 2-го Садового моста.Борис Мессерер - Вид на набережную реки Мойка и 2-й Зимний мостБорис Мессерер Борис Мессерер

Почему нельзя строить культуру на рыночных отношениях

Автор: Андрей Карпов

Культура как область социальной жизни должна лежать за пределами рыночных отношений. Свобода рынка разрушает культуру, что приводит к общей деградации человечества.


Андрей Попов - Балаганы в Туле на Святой неделе, 1873

Речь вовсе не о том, что под прикрытием лозунгов о свободе экономической деятельности в качестве культурных товаров предлагается нечто заведомо вредное, то есть о возможной злокозненности, сознательном распространении зла. Конечно, культурное поле обширно, в нём могут найтись носители любых идей, в том числе и адепты чистого зла – то есть те, кто, прекрасно понимая, что имеют дело злом, тем не менее считают для себя целесообразным его насаждать. И всё же подобное поведение следует считать маргинальным. Обычно человек не затрудняет себя нравственным выбором: он не выбирает между добром и злом, а просто действует, как принято. Предполагается, что распространённость практики является гарантией её доброкачественности: если бы тут было что-то действительно плохое, общество бы среагировало и ввело соответствующие ограничения.


Однако до того, как общество скорректирует свои моральные, а государство - правовые нормы, необходимо, чтобы произошло осознание: проблема должна предстать как проблема, только тогда становится возможным её разрешение.


Вот в рамках этой логики давайте и порассуждаем.


Задачей предпринимателя является получение прибыли. Поэтому он должен прийти на рынок с таким товаром, который обязательно купят, – ведь пока нет сделки, нет и прибыли. Чем больше готовых раскошелиться покупателей, тем больший объём прибыли можно получить. Наибольшая эффективность достигается при выходе на максимально широкий рынок.


Сделка – это искра, проскакивающая между покупателем, имеющим какие-то потребности, и товаром, способным эти потребности удовлетворить. Искусство продажи во многом состоит именно в умении выявлять потребности, в том числе и такие, о которых человек (потенциальный покупатель) сам ещё толком не знает. Будущему покупателю можно растолковать, в чём состоит его потребность, – и тогда сделка будет рациональной, с опорой на разум и способность суждения. А можно обойтись без подключения разума, задействовав триггеры (раздражители) и эмоциональные ключи. Эмоциональные покупки совершаются быстрее рациональных и приносят большую прибыль (люди легче платят более высокую цену).


Люди покупают продукты и вещи, чтобы удовлетворить свои материальные потребности. Эти потребности, как правило, весьма конкретны. И всё равно, реклама подобных товаров провоцирует эмоциональное поведение: человека побуждают покупать не столько вещь (потребительские характеристики), сколько выражаемый ею статус и сопутствующие ей эмоции. Товары в сфере культуры изначально эмоциональны. Человек приобретает книгу, идёт в кино или включает музыкальную запись не потому, что испытывает потребность именно в этой книге, фильме и т.д., – он просто хочет выйти за пределы повседневности, получить заряд свежих эмоций.


Поэтому спрос в сфере культуры более пластичен. В нём нет предзаданности, жёсткой привязки к обстоятельствам. Им можно манипулировать.


Единственным решающим фактором остаётся стремление к максимизации прибыли. Продавец продуктов культуры, подобно любому продавцу, стремится продать свой товар максимальному числу покупателей. Для этого ему надо задействовать наиболее базовые эмоциональные триггеры. Тогда можно ожидать, что отклик будет у большинства аудитории.


Понимая эту механику, можно определить, в какую сторону рынок изменяет культуру.


Во-первых, человек интерпретируется как элемент массы. Рассматриваются лишь массовые реакции. Продукт, рассчитанный на среднего потребителя, заведомо принесёт больше денег. Рынку не нужны шедевры, судьба которых часто непредсказуема. Он ориентирован на средний продукт, создаваемый по уже апробированной формуле успеха.


Во-вторых, рынок ориентирован на настоящее время и актуальное состояние. Выигрывает тот продавец, который предлагает товар, наиболее точно соответствующий духу момента. А этот дух есть порождение ординарных и типовых реакций. Поэтому культура, создаваемая по рыночным лекалам, сущностно не способна развивать, воспитывать, вести за собой. Она лишь утверждает то, что есть, воспроизводит образ среднего обывателя. Этот тип, по идее, не должен существовать, поскольку каждый человек индивидуален и потому отклоняется средних значений, но рыночный механизм современной культуры постоянно нам его навязывает, и люди начинают подстраиваться под заданный образец. Приходится признать, что в итоге культура всё же воспитывает, только вектор её воспитательных усилий направлен не вверх.


И тут подходит черед в-третьих. В человеческую природу заложено лишь стремление к добру, но сама добродетельность может быть только итогом серьёзной внутренней, духовной работы. Человеку постоянно нужно переступать через свои неблаговидные желания, удерживая себя, то и дело готового соскользнуть в мелкое, а то даже и в крупное зло. Этой потенциальной и реальной греховности в нас гораздо больше, чем добродетельности. Поэтому самыми массовыми эмоциональными триггерами оказываются страсти и грехи. Это то, что цепляет, привлекает внимание.


Уильям Рочфорт The pictures II
Уильям Рочфорт (род. 1985) "The pictures II"

Совсем необязательно, чтобы мы соглашались с грехом, принимали его на уровне сознания, – достаточно нашей негативной реакции. Она всё равно вводит нас во взаимодействие с культурным продуктом, несущим данный эмоциональный ключ. К примеру, страх – это реакция неприятия. Страшно то, что мы не хотели бы подпускать к себе близко. Но страх хорошо продаётся. Пугаясь, мы не остаёмся равнодушными, и эту эмоциональную встряску мы воспринимаем как положительный эффект от контакта с тем, от чего, по идее, нам следовало бы держаться подальше. Данная схема применима не только к страху, её легко приложить к любому другому источнику негатива. Не случайно по общепринятому канону в художественном тексте, будь то фильм или книга, обязательно присутствует отрицательный персонаж – он оживляет повествование, повышает градус внимания.


Следовательно, для того чтобы культурный продукт хорошо продавался, он должен иметь некоторый отрицательный потенциал. Это может быть любой элемент содержания, несущий необходимый заряд, – персонаж, суждение (смысловой ряд), какие-то сцены, манера описания и т.д.


Но негатив может вводиться и иначе – не сам по себе, а с помощью позитива, который он попирает и разрушает. Это происходит, когда нам предлагают отказаться от классической системы оценки, когда высмеивается то, чем принято дорожить, отрицаются ценности, нивелируются авторитеты, снимается любой пафос (который объявляется искусственным и избыточным). В большинстве подобных случаев мы имеем дело с сознательной культурной провокацией, целью которой является взбудоражить аудиторию, заставить её реагировать. Привлечение внимания повышает вероятность покупки.


Величина отрицательного потенциала варьируется. Иногда она невелика, и то, что должно нас цеплять, как бы задвинуто внутрь культурного продукта, а иногда весь продукт – не что иное, как один эмоциональный раздражитель.


Чтобы товар хорошо продавался, отрицательный потенциал необходим, а вот положительный – вовсе необязателен. Главный герой художественного текста вполне может быть обаятельным мерзавцем. В финале истории зло может устоять и даже восторжествовать. Визуальный художественный объект может быть выстроен вокруг чего-то подчёркнуто омерзительного. И всё это будет находить спрос.


Культура, ставшая лишь инструментом извлечения прибыли, неизбежно превращается в культуру греха. Полная рыночная свобода в сфере культуры установлению ложных (отрицательных) образцов, снижению мотивации к положительному развитию, распаду традиционной морали и, в конечном счёте, к деградации социума.


Избежать подобного сценария можно, лишь противопоставив свободе рынка последовательную деятельность государства, состоящую как в поддержке "правильной" культуры (прежде всего, классической и традиционной), так и в ограничении продвижения культурных продуктов, содержащих зашкаливающую концентрацию греха. Кроме государственных грантов и прямого финансирования полезных культурных проектов, необходимо внедрение эффективных фильтров, отсекающих наиболее вредные поползновения и не допускающие на широкий рынок опасные культурные продукты. Если государство не сможет организовать работу подобных фильтров, будущее нашего социума будет весьма печальным, и уже скоро.

На сайте:
https://culturolog.ru/content/view/3864/68/

Коридоры детства

В Ярославском художественном музее до 21 ноября 2021 г. проходит выставка «Коридоры детства», на которой представлены живописные произведения из коллекции музея, посвященные детям. Они созданы художниками XX–XXI веков и позволяют увидеть мир детства 1950–1970-х годов.

Виктор Непостаев - Мамина помощница, 1956

Первые живописные произведения, посвященные миру детства в России, известны с XVIII столетия. Сначала по заказам аристократических семей и императорской фамилии живописцы создавали портреты наследников рода, позже художники начали писать жанровые сцены с детьми. В XX веке, когда детство начало восприниматься не только как этап взросления, а как самоценная жизнь, детская тема в искусстве стала самостоятельной, привлекающей художников разных направлений, стилей, жанров.

Во второй половине XX века были написаны сотни работ, отражающих жизнь ребенка, его особое эмоциональное мироощущение, важные для него занятия и события. Художники по-прежнему писали детские портреты, создавая серии образов близких, родных – сыновей, дочерей, внуков. Художники Владимир Жуков и Виктор Непостаев создали целую галерею портретов и жанровых зарисовок своих детей, отслеживая этапы их взросления. Евсей Моисеенко сознательно ставил задачу отразить возрастные изменения полюбившейся модели – дочки водителя из Алушты Наташи, создав серию ее портретов на протяжении десяти лет. Один из них представлен на выставке.

Увлечения детей, их занятия творчеством, конструированием, чтением, игрой, а также выполнение домашних обязанностей, школьные занятия, отдых в пионерских лагерях – темы работ Сергея Шитова, Веры Пестель, Лидии Тимошенко, Бориса Петрухина и других. В этих работах художники подчеркивали особую пластику движений ребенка, стремились отразить его психологию, передать особенности внутреннего мира, отличного от взрослого. Как правило, они изображали детей в привычной им среде – дома, на улице, в парке. Пейзажи, предметы быта 1950–1970-х годов помогают прочувствовать атмосферу, в которой росли дети.

Нередко источником вдохновения для художника становятся его личные детские воспоминания. Наталья Болотцева, изображая любимые игрушки, детские сны и фантазии, создает особый метафорический сказочный мир, от которого так трудно отказаться. Павел Конников использует детские грезы для выражения чувств и мыслей взрослого человека. Его работа «Подарок» – трогательное признание в любви супруге. Максим Митлянский в полиптихе «Коридоры детства», давшем название выставке, использует архетипическое представление о памяти как о пути, туннеле, коридоре, наполненном событиями, переживаниями, страхами, радостями и открытиями. У каждого человека – незабываемый коридор воспоминаний детства, который остается с ним навсегда и, как правило, определяет дальнейшую жизнь.

На выставке встретились два поколения художников: старшие отражали в своих работах мир ребенка середины XX века с натуры, а наши современники описывают детство по воспоминаниям, не пользуясь ни моделями, ни реалистическими этюдами.

На сайте: https://culturolog.ru/content/view/4231/31/

Виктор Непостаев - «Любимые сказки. Таня, почитай», 1955 год).Александр Гришин - Гуси (эскиз), 1941Константин Ломыкин - На даче, 1976Владимир Жуков - Девочка на окне, 1960Борис Петрухин - Пионерка (В пионерсокм лагере), около 1937Сергей Шитов - Портрет сына, 1934Лидия Тимошенко - Авиамоделисты, 1937Виктор Киселев - Мать, 1946

Евгений Ромашко. Выставка произведений

В Орловском областном выставочном центре c 12 октября по 7 ноября пройдёт выставка произведений народного художника России, академика Российской академии художеств, заведующего кафедрой академической живописи МГХПА им. С.Г. Строганова Евгения Викторовича Ромашко.

Работа Евгения Ромашко

На выставке будет представлено 90 живописных и графически работ художника. Е.В.Ромашко, живущий в столице, много и плодотворно работающий над созданием творческих работ, одновременно занимается преподавательской деятельностью и общественной работой в Российской академии художеств, Союзах художников России (СХР, ТСХР, МСХ), ведет свой проект по городам России, находя время для личного присутствия на встречах со зрителями, открытиях выставок, проведения мастер-классов, творческих вечеров. Евгений Викторович продолжает лучше традиции в искусстве не только в плане выбора академического реалистического направления, но и в плане продолжения своего рода передвижнической выставочной деятельности, снискавшей славу и признание русской провинции еще в XIX веке. Проект, представляющий живописные работы автора, выполненные в последние годы, делится на две основные темы «Русская провинция» и «Путешествие по зарубежным странам». Е.В. Ромашко развивая тему русской провинции, отдает дань уважения русской старине, сохранившейся архитектуре, красоте тех мест, в которых побывал.

На сайте: https://culturolog.ru/content/view/4232/31/

rom1.jpgrom2.jpgrom3.jpegrom5.jpegrom7.jpgrom4.jpeg

Памятник утопающей

В Стране Басков в Испании, недалеко от Бискайского залива стоит город Бильбао. Через город протекает довольно широкая река Нервьон. Утром 23 сентября 2021 г. в реке неожиданно для горожан появился арт-объект – это реалистичная голова молодой девушки, изготовленная из стекловолокна.

Рубен Ороско Лоза - Бихар (Завтра), 2021

Фигура расположена так, что практически вся скрыта водой. Видно только запрокинутое лицо, что создаёт ощущение, будто девушка тонет.

Скульптуру создал мексиканский художник-гиперреалист (Ruben Orozco Loza). Оплатил её изготовление местный фонд BBK Foundation. Это такой социальный жест, который, по мысли инициаторов появления данного арт-объекта, следует воспринимать в рамках популярного сегодня разговора о потеплении климата.

Скульптура называется «Бихар», что на баскском языке значит «Завтра». Уровень воды в реке колеблется. Лицо девушки то покажется из воды, то, наоборот, полностью уйдёт под воду. При этом оно совершенно бесстрастно. Что хотел сказать художник, понятно: завтра мир может погибнуть, например, утонуть… И тогда будет поздно что-либо предпринимать, придётся просто принять свою судьбу.

Однако, думал об этом автор арт-объекта или нет, скульптура попадает и совсем в другой контекст. Мы видим тонущую девушку, которой никто не оказывает помощь. Это очень депрессивная история. Она программирует неправильные реакции.

В том мире, который был с нами ещё недавно и в который строился на правильном основании, памятники ставили в основном героям. Естественное желание человека – видеть спасателя, вытаскивающего утопающего. Но это, видимо, слишком тривиально. Поэтому герои сегодня не в моде.  И нам предлагают фигуру, погружающуюся в пучину и смирившуюся со своей участью. Мы же должны проходить мимо, оставляя всё как есть. Девушка тонет, так тому и быть. Воспитательный эффект присутствует, но это – воспитание жертвы. Нас учат бесстрастно тонуть и не приходить друг другу на помощь. С людьми, воспринявшими такой урок, можно потом делать что угодно.

Мир высокой акварели

С 2 по 17 октября 2021 г. в Галерее Классической Фотографии (Москва) пройдёт Второй Международный арт-фестиваль «Мир высокой акварели».

Мир высокой акварели

«Мир высокой акварели» — это уникальный проект, который даёт возможность увидеть творчество ведущих мировых художников-акварелистов.

В фестивале участвуют 150 авторов из 40 стран, представлено более 200 картин. География фестиваля охватывает Россию, страны ближнего и дальнего зарубежья: Албания, Канада, США, Англия, Италия, Франция, Германия, Чехия, Греция, Индия, Пакистан, Япония, Китай, Малайзия, Вьетнам, Филиппины, Колумбия, Швеция, Португалия, Беларусь, Болгария и т.д.

Россия будет представлена работами российских художников мирового уровня, среди них главный архитектор Москвы Сергей Кузнецов, представитель московского течения акварелистов Илья Ибряев, а также Ольга Литвиненко, Константин Стерхов, Елена Базанова, Юрий Ломков, Сергей Курбатов и многие другие.

На сайте: https://culturolog.ru/content/view/4227/31/



akv1.jpgakv3.jpgakv4.jpgakv5.jpgakv6.jpgakv7.jpg

Последнее достижение современного искусства

Датский художник-концептуалист Йенс Хаанинг (Jens Haaning) довёл идею современного искусства если не до конца, то явно до некоего семантического рубежа.

Йенс Хаанинг - Средний годовой доход в Дании, 2021

Музей Кунстен (Kunsten Museum of Modern Art) из города Ольборга (Aalborg), расположенного на севере Дании, заказал ему репликацию его прошлого арт-проекта. Проект назывался «Средний годовой доход в Дании» (2021). Суть проекта заключалась в том, что в рамочку под стекло были помещены реальные деньги – бумажные купюры на сумму 338122 датских крон. Такая, довольно прямолинейная визуализация среднего годового дохода датчанина. Сие произведение находится в галерее Sabsay в Копенгагене. По соседству есть и другое – «Средний годовой доход в Австрии» (2007), представляющее 25 702 евро. По текущему курсу это всего лишь 191223 датских кроны. Поэтому каждый может убедиться, насколько в Дании жить лучше, чем в Австрии. 

Ольборгский музей решил не уступать столичной галерее и заиметь свой вариант «Среднего годового дохода». Для чего Хаанингу были вручены средства – 534 тысячи датских крон. Этого должно было хватить и на «Данию», и на «Австрию».

Но художник не захотел повторять свою работу. Музей Кунстен получил две рамочки под стеклом, но – совершенно пустые. Деньги же художник оставил себе. Изъятие у музея денег он назвал художественным произведением, которому дал название «Бери деньги и беги». Это, конечно, аллюзия: «Take the Money And Run» – название известной криминальной комедии Вуди Аллена 1969 года.

Музей чувствует себя одураченным. Выставить пустые рамочки с описанием концепта нового произведения Йенса Хаанинга он пока не решается. Безусловно, есть вариант вернуть деньги по суду. Но это будет своеобразным актом самоотрицания. Музей тем самым будет доказывать, что современное искусство должно иметь хоть какие-то границы, тогда как в настоящее время утверждается право художника переводить в сферу искусства любое наполнение бытия. Отказываясь считать «Бери деньги и беги» полноценным художественным высказыванием, музей выступит против собственного содержания.

Жест Хаанинга интересен ещё и тем, что непосредственным образом показывает, что нарратив современного искусства (та история, которую оно рассказывает) сводится к деньгам. Подлинная суть произведения – это деньги, которые художник может получить со своего искусства. Все другие смыслы – вторичны. Маски сорваны, правда обнажена.


На сайте: https://culturolog.ru/content/view/4226/20/



Великие Маковские. Вся Россия — от царя до звонаря

До 14 ноября 2021 г. в Радищевском музее (Саратов) проходит выставка «Великие Маковские. Вся Россия – от царя до звонаря», приуроченная к 150-летию первой выставки Товарищества передвижников и 175-летию известного русского художника Владимира Константиновича Маковского.

Владимир Маковский - К венцу. Прощание, 1894

Выставка посвящена удивительному явлению в русской культуре XIX-XX столетий – творческой династии Маковских, которая вела свое происхождение от основателя Московского училища живописи, ваяния и зодчества Егора Ивановича и его жены, талантливой певицы Любови Корнильевны Маковской. Четверо из пяти детей этой супружеской пары выбрали карьеру живописцев и добились больших успехов на этом поприще. Следующие поколения также связали свою судьбу с искусством. Среди членов семьи Маковских были художники, реставраторы, преподаватели, критики, искусствоведы.

Наследие Маковских поистине огромно. Экспозиция около 80 произведений представителей этой творческой династии. В проекте участвуют лучшие и самые известные творения художников из собраний Радищевского музея, Государственной Третьяковской галереи, Самарского областного художественного музея, а также уникальные работы из частных коллекций Москвы и Саратова.

Выставка приглашает совершить увлекательное путешествие в историческое прошлое, предстающее на полотнах мастеров из семьи Маковских. Наибольшей популярностью у современников пользовались картины братьев Константина и Владимира Маковских, стоявших у истоков основания знаменитого Товарищества передвижников. Их работы составляют большую часть выставочного пространства.

Среди произведений Константина Маковского особенно выделяются роскошные парадные портреты верхов русского общества (в том числе императора Александра II) и выдающихся представителей интеллигенции, экзотические восточные мотивы и изображения русских красавиц в национальных костюмах. На картинах Владимира Маковского («Толкучий рынок», «Оправданная», «К венцу») предстают разные слои российского общества: уличные торговцы и нищие, адвокаты и подсудимые, чиновники и министры, музыканты и художники. Каждый сюжет напоминает маленький рассказ с занимательным содержанием, созвучный произведениям Н.В. Гоголя, А.Н. Толстого и А.П. Чехова.

Настоящая выставка словно погружает зрителя в историческую атмосферу эпохи середины XIX – начала XX столетий, акцентируя характерные для того времени культурно-ценностные ориентации, политические настроения, вопросы семейных взаимоотношений и культурного досуга. Картины Маковских наглядно представляют жизнь русского человека в повседневных заботах и в редкие моменты отдыха, в заграничных путешествиях и на лоне родной природы. Посетители встретятся с произведениями известных мастеров и откроют для себя новые имена представителей этой славной художественной династии.

На сайте: https://culturolog.ru/content/view/4225/31/

Владимир Маковский - Игра в бабки, 1870Константин Маковский - Хрупкое создание, 1897Константин Маковский - Александр II на смертном одре, 1881Владимир Маковский - Любители соловьев, 1873Владимир Маковский - Шарманщик, 1879mak10.jpgКонстантин Маковский - Девушка, 1900-е

Василий Тропинин - Портрет Л.К. Маковской, 1830Константин Маковский - Алексеич, начало 1880-хКонстантин Маковский - Портрет девочки в шляпке со страусовым пером, 1879

Что такое многомерность?

Автор: Тимоти Роберт Смит

Тимоти Роберт Смит - Плоский мир (Flatland)

Мои картины созданы из наблюдений за окружающим миром; но не только с моей точки зрения, со всех возможных точек зрения. Передавая стремительность мегаполиса, мои изображения исследуют несколько точек обзора одновременно, объединяя несколько сцен в одно калейдоскопическое изображение. Зрители смотрят вверх, вниз и во все стороны вокруг, видя, как всё выглядит с  пола, и как выглядит с потолка, как будто земля проносится у них под ногами. Городской пейзаж разворачивается в лабиринт скрытых пространственных измерений, где время, вероятность и разнообразие человеческого восприятия работают вместе, чтобы расширить наше понимание реальности.

Будучи детьми, мы учимся использовать упрощенные визуальные карты, помогающие нам понять физический мир. Мы видим двумерную иллюстрацию яблока или носорога, и она откладывается в соответствующий ящик нашей метальной картотеки. Когда мы воспринимаем мир, наш мозг строит модель реальности, анализируя информацию, поступающую от органов чувств. «Настоящий» носорог, которого мы воспринимаем, обрабатывается через информационную базу визуальных данных, которая и дает ему определение.

До того, как Филиппо Брунеллески определил идею одноточечной перспективы (1420), все картины выглядели очень плоскими. Художники могли точно изобразить свет и тени на человеческом лице, но не знали, как разместить несколько фигур в композиции. Они могли видеть отступающие ортогонали здания, но у них не было никакого способа их интерпретации, поэтому информация терялась. Потом модель перспективы Брунеллески пересмотрела нашу коллективную ментальную карту мира, что изменило наш опыт внутри него.

Образцы реальности есть везде: от человечков на дорожных знаках до фотографий в Facebook. Стивен Хокинг и Леонард Млодинов в «Великом замысле» придумали термин «модельно-зависимый реализм», предполагая, что все, что мы знаем о реальности, – это наблюдения, основанные на моделях. Противоречивые модели мира оказываются впоследствии одинаково действительными, делая невозможным точное определение «истинной» природы реальности.

Моя работа исследует реальность и ментальные карты, которые мы индивидуально и коллективно  используем для ее обработки. Поскольку наука и техника изменяют наше понимание вселенной, карты, которые мы используем, должны адаптироваться. В эпоху Возрождения художники работали вместе с учеными, астрономами и математиками над созданием моделей Вселенной. Леонардо да Винчи в своей книге «Кодекс Лестер» (1510) раскрыл тайну «Земного сияния» - явления, которое происходит каждые 30 дней, когда солнечный свет отражается от Земли к Луне и обратно. Это открытие было сделано за 25 лет до того, как Коперник опубликовал свою солнечно-центрированную теорию солнечной системы. Прежде чем явление было доказано, да Винчи наблюдал за ним.

Что, если бы мы могли наблюдать феномены современной теоретической физики, просачивающиеся сквозь трещины быстро развивающегося мегаполиса? Попробуйте визуализировать черные дыры, квантовое туннелирование и альтернативные измерения в повседневной жизни. Представьте прошлое, настоящее и будущее, существующие одновременно, с ветвящимися временными линиями, которые показывают альтернативные версии каждого момента, повторяющиеся в бесконечной петле обратной связи.

Моя текущая незавершенная работа, Revised Maps of Present, – это инсталляция, которая выходит за пределы двумерного холста в пространство, объединяющее окрашенные стены, скульптурные фигуры, источники света, звуки и видеопроекции, чтобы создать то, что кажется городским пейзажем, но на самом деле разворачивается в лабиринт искривленных углов, сдвига перспектив и скрытых пространственных измерений. По мере того как зрители продвигаются по инсталляции, они ощущают разъединение слоев этой воображаемой реальности в форме калейдоскопической мультивселенной. Моя цель в этом проекте – обеспечить публичную демонстрацию, которая заставит людей задуматься о природе реальности и рассматривать множество возможных интерпретаций и перспектив.

Важно допускать множество разных способов наблюдения за миром. Как выглядит город для человека, спешащего сквозь толпу, чтобы сесть на поезд, или для маленького ребенка, глядящего на мир из коляски? Представьте, что вы можете видеть глазами своего друга, соседа или незнакомца, которого встретили в магазине. Отличаются ли ментальные карты, которые они используют, от ваших? Какими уникальными точками обзора, изменяющими их опыт, они обладают?

Если бы мы могли научиться видеть за пределами нашей собственной ограниченной перспективы реальности, мы могли бы расширить не только нашу ментальную вселенную, но и саму Вселенную, а также понимать друг друга на гораздо более глубоком, многомерном уровне.

****

Тимоти Роберт Смит живёт и работает в Лос-Анжелесе.

На сайте: https://culturolog.ru/content/view/3859/79/

Тимоти Роберт Смит - Вокруг (Round About)

Вокруг (Round About)

Тимоти Роберт Смит -В случае, если все будет или было сейчас (In the Event of All Things to Be or Have Been Being Now)

В случае, если все будет или было сейчас
(In the Event of All Things to Be or Have Been Being Now)

Тимоти Роберт Смит - Без названия

Без названия

Тимоти Роберт Смит - Цепочка обратной связи реальности (Reality Feedback Loop)

Цепочка обратной связи реальности (Reality Feedback Loop)

Тимоти Роберт Смит - Без названия

Без названия

Тимоти Роберт Смит - Сладкое место (Sweet Spot)

Сладкое место (Sweet Spot)

Тимоти Роберт Смит - 7-е и главное (7th and Main)

7-е и главное (7th and Main)

Тимоти Роберт Смит - Дороги (Any Road)

Дороги (Any Road)

Тимоти Роберт Смит - Вероятностный контур обратной связи (Probability Feedback Loop)

Вероятностный контур обратной связи (Probability Feedback Loop)

Василий Тропинин. Образы эпохи

В Центре пропаганды изобразительного искусства до 7 ноября 2021 г. проходит выставка «Василий Тропинин. Образы эпохи» из собрания Музея В.А.Тропинина и московских художников его времени.

Тропинин Василий Андреевич - Портрет Екатерины Ивановны Карзинкиной в русском наряде, 1840-1850

На выставке представлены произведения живописи и графики, созданные в первой половине и середине XIX в. Это портреты, пейзажи, жанровые композиции, изображения интерьеров, натюрморты, написанные как знаменитыми, так и малоизвестными мастерами.

Зритель сможет увидеть 10 работ «патриарха русской живописи» Василия Тропинина, выдающегося портретиста конца XVIII – первой половины XIX века. В состав экспозиции также войдут работы «основателя русской акварельной живописи» Петра Соколова (1787–1848), произведения представителя «школы Венецианова», профессора Императорской Академии художеств Сергея Зарянко (1818–1870), единственного в XIX веке профессионального художника чеченского происхождения, академика Императорской Академии художеств Петра Захарова-Чеченца (1816–1846), академика Императорской Академии художеств Карла Рабуса (1800–1857), преподавателя известного пейзажиста Алексея Саврасова(1830–1897). Среди представленных полотен – такие шедевры как портрет Натальи Еропкиной кисти Евгения Плюшара (1809–1880) и портрет прославленной актрисы Екатерины Семёновой в роли Клитемнестры, приписываемый Оресту Кипренскому (1782–1836).

Погрузиться в яркий мир прошедшей эпохи и показать обстановку, окружавшую современников Тропинина, призваны разнообразные предметы декоративно-прикладного искусства. На выставке будут демонстрироваться мебельные гарнитуры, каминные часы, разнообразные ларцы.

На сайте: https://culturolog.ru/content/view/4223/31/

trop1.jpg Гампельн Карл Карлович - Портрет Авдотьи Михайловны Голицыной, 1830-еЕвгений Плюшар (1809–1880) - Портрет Натальи Еропкиной trop4.jpgНеизвестный русский художник середины XIX века -Портрет гитариста. Копия с композиции В.А. Тропинина, 1801Тропинин Василий Андреевич - Портрет графа Ираклия Ивановича Моркова, вторая четверть XIX века